Библиографическое описание:
Жестяникова И.З. Преподавание основ теории и истории искусства в изостудии // Образовательный альманах. 2023. № 11 (73). Часть 2. URL: https://f.almanah.su/2023/73-2.pdf.
Преподавание истории искусств для детей как самостоятельного предмета практикуется в основном только в художественных школах, которые позиционируются как учреждения предпрофессиональной подготовки. В учреждениях дополнительного образования – Дворцах и Домах творчества – такого практически мы не встретим.
Я расскажу, как в рамках обычных занятий в изостудии ДДЮТ «На Ленской» рассказываю об изобразительном искусстве.
Объяснения всех заданий сопровождается зрительным рядом репродукций картин художников самых разных школ и направлений. Но прежде, чем говорить о художниках и их произведениях, необходимо дать представление о видах искусства, жанрах, отличии одного от другого, выразительных средствах. Да и вообще, самый первый вопрос: зачем нужен художник? Какие бывают художники, и чем они занимаются? И вот тогда разговор перетекает в рассказ о видах изобразительного искусства. Разбираемся, чем виды изобразительного искусства отличаются друг от друга и какие из окружающих нас предметов к ним относятся. Но оговариваем, что предметом искусства является только предмет, несущий эстетическую нагрузку.
Так определяем архитектуру как проектирование (придумывание) и строительство объектов, организующих пространственную среду (здания, мосты, виадуки, набережные).
Скульптору определяем как объемное изображение. При этом оговариваем, что скульптура может быть круглой, которую можно обойти кругом, то есть рассмотреть со всех сторон, и рельефом – объемным изображением, закрепленным на плоскости.
Живописью называем художественные произведения, выполненные красками на какой-либо твердой поверхности (на стене, холсте, картоне, доске, шелке, бумаге) и основным выразительным средством которого является цвет.
Графика, как и живопись, связана с изображением на плоскости. Но в отличие от живописи у графических произведений главными художественными приемами являются штрих, линия и пятно.
А еще есть декоративно-прикладное искусство, совмещающее утилитарную, эстетическую и художественную функции. Такие произведения делаются как профессиональными художниками, так и мастерами, работающими в народных промыслах, из самых разных материалов: дерева, ткани, стекла, фарфора, металла.
Необходимо и обязательно, чтобы изучение теоретического материала завершилось контрольным вопросом.
Вопрос учащимся: перед вами зал Большой Итальянский просвет в Эрмитаже. Назовите, какие предметы относятся к архитектуре, к скульптуре, к живописи и декоративно-прикладному искусству.
Далее переходим к графике и живописи, которыми и будем заниматься. Даем определение жанра и разбираем, какие бывают жанры. На этом строится все дальнейшее обучение.
Начинаем с анималистического жанра, благо рисовать животных любят все. Выясняем, что художник-анималист должен быть одновременно и художником, и биологом, т.е. должен уметь передавать облик и пластику движения животного и знать его анатомию, повадки, среду обитания. Рассматриваем скелет, обращаем внимание на устройство ног и наличие шеи, рассматривая фотографии животных, обсуждаем размеры, пропорции и окрас животного, манеру двигаться. Переходим к работам художников, говорим о передаче художником характера животного, об эмоциональной составляющей работ – совсем не обязательно работа должна быть серьезной. В рамках этой темы мы рисуем различных животных: домашних и диких, птиц, рыб, насекомых. А если группа активная и легко воспринимает новый материал, то завершающим становится рассказ о первобытных художниках с демонстрацией изображений настенных росписей и выполнением композиции, посвященной первобытному человеку.
Сказочный жанр. В этом жанре работало не так много художников. Их картины – это иллюстрации к сказкам, былинам. Выясняем, в чем природа сказочности, почему, глядя на картину, мы сразу говорим, что изображена сказка или сказочный герой: 1) у реального предмета не реальные, не свойственные ему функции, например, летающий ковер, кит, заглатывающий корабли; 2) реальные герои помещены в нереальные обстоятельства, например, человек верхом на волке; 3) несовременные костюмы; 4) нереальные герои, например, Кощей Бессмертный, леший и т.д.; 5) возможность определить сюжет полотна, как иллюстрацию к сказке. Рассматривая картины, вспоминаем сюжеты сказок, по которым они написаны. И как задание – рисунок на тему выбранной сказки.
Пейзаж– это изображение природы. Выясняем, только ли природы? Одной ли природы? Разбираемся в видах пейзаж. Морской – марина, легко запомнить, как женское имя. Чистый – только природа, без домов и людей. Сельский – изображение деревни. Городской – города. Индустриальный – заводов, строек, железных и автомобильных дорог. Архитектурный – изображение архитектурных строений. Рассматривая картины, пробуем разобраться, почему одни картины кажутся веселыми, жизнерадостными, другие тихими и задумчивыми, третьи тревожными, четвертые печальными. Как художники этого добиваются. И заданием становиться рисунок пейзажа.
Портрет – это изображение конкретного человека и группы людей. Портрета Буратино или Мурзика быть не может. Буратино – сказочный герой, поэтому это сказочный жанр, а Мурзик – животное, то есть жанр анималистический. Говорим, что необходимое требование, предъявляемое ко всякому портрету – это индивидуальное сходство. Но это сходство не ограничивается внешними чертами человека, художник раскрывает его внутренний мир. Говорим о парадном и о камерном портретах. Как правило, парадный портрет предполагает показ человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, оплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном – чаще на нейтральном. Выделяем групповой портрет (портрет, включающей группу персонажей (не менее трех), соединенных в одной обстановке, сцене, часто связанных единым действием), парный. После того, как мы все это обсудим, пытаемся определить демонстрируемые портреты. И заданий на тему «Портрет» будет несколько.
Натюрморт – жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в единую группу. В натюрморте художник изображает предметы обихода, труда, творчества, цветы и плоды, битую дичь, выловленную рыбу. Но художники в натюрморты иногда вводили и живые объекты – это могли быть и животные, и люди. Тогда такой натюрморт становился похож на сюжетную картину.
В качестве сюжетных картин можно рассмотреть и картины бытового жанра, в которых художник рассказывает о жизни современников, например, игры во дворе, спортивные соревнования, праздники, и сказочного жанра, о котором было сказано выше, и исторического, посвященные выдающимся людям и событиям прошлого, и эпического жанра. На картинах этого жанра изображаются религиозные сюжеты, герои легенд и мифов разных народов.
В качестве примера, покажу как мы разбираем древнегреческие мифы на примере мифа «Аполлон и Дафна» с учащимися четвертого года обучения (12-15 лет). Сюжет достаточно известный: осмеял как-то Аполлон Купидона, и тот отомстил ему. Выпустил он две стрелы: одной – стрелой любви – ранил Аполлона, второй – стрелой отвращения – ранил нимфу Дафну, дочь речного бога Пенея. Дафна, спутница Артемиды, дала слово сохранить целомудрие и оставаться безбрачной. Аполлон, охваченный страстью, повсюду преследовал прекрасную нимфу. Но этим только вызывал у неё ужас. Вскричал Аполлон: «Что же ты бежишь от меня, нимфа? Не разбойник я! Не дикий пастух! Я — Аполлон, сын Зевса!» Но еще быстрее побежала Дафна. Аполлон догоняет её. Вот-вот готов схватить за руку испуганную нимфу. Дафна взмолилась к родителям изменить её облик, чтобы избежать любви Аполлона. Услышал Пеней просьбу дочери и помог ей, избавил от преследований влюбленного Аполлона. Превратил он Дафну в лавровое дерево. Ноги ее ушли в землю, складки влажной от пота одежды превратились в кору, руки вытянулись в ветви. Тщетно обнимал Аполлон прекрасный лавр, долго горевал о своей любви. И в память о прекрасной нимфе, Аполлон сделал лавр своим священным деревом и первый увенчал себя лавровым венком.
Рассказывая этот миф, в качестве иллюстраций использую живописные и скульптурные произведения – это «Аполлон и Дафна» 1744 года и «Аполлон, преследующий Дафну» 1755-1760 годов Джованни Баттиста Тьеполо, картины «Аполлон и Дафна» Антонио дель Поллайоло, Андреа Аппиани, Корнелиса де Воса и скульптуры «Аполлон и Дафна» Якоба Ауэра и Джованни Лоренцо Бернини.
В живописных произведениях мы стараемся разобрать их композиционное решение. Как художник выделяет композиционный центр картины: движением ли, светом, цветом? Обязательно ли помещать главного героя в центр полотна? Как используется цвет, и какое символическое значение он играет? Вводит ли художник дополнительных героев, и есть упоминание о них самом мифе?
Разбирая скульптурные произведения, обращаю внимание на передачу характера героев, эмоционального напряжения, движений. Сравниваем произведения с разным пластическим решением: Якоба Ауэра и Джованни Лоренцо Бернини. Изящная, даже изысканная, сделанная из слоновой кости, работа Ауэра и экспрессивная, динамичная, виртуозная мраморная скульптура Бернини. Количество фотографий, представленных в сети Интернет, позволяет «обойти» ее вокруг, рассмотреть детали, восхититься, как развиваются волосы Дафны и драпировка догоняющего ее Аполлона, как прекрасное гладкое тело обрастает шершавой корой, из ног вырастают корни, а пальцы рук превращаются в тонкие веточки лавра. Говорим о том, что при близком стилистическом решении этих скульптур эмоциональная трактовка образов оказывается различной: у Ауэра композиция внешне статичная, погоня закончилась, Аполлон догнал Дафну и уже держит ее, а руках оказывается Дафна-лавр, а Бернини изобразил самый напряженный момент – Аполлон догоняет нимфу, касается ее, в лице Дафны ужас, а кора, что заковывает ее тело, усиливает движение. Такой разбор дает возможность более эмоционально подходить к собственному рисунку.
Анализ произведений изобразительного искусства позволяет учащимся не только лучше познакомиться с творчеством художников разных школ и направлений, но и с историческими событиями, свидетелями и современниками которых они были, с литературными произведениями, которые их вдохновляли, природой, их окружавшей.
Библиографический список
1. Аполлон. Изобразительное и декоративное искусство. Архитектура / Российская Академия Художеств, Научно-исследовательский институт теории и истории изобразительных искусств; под общ. ред. А. М. Кантора. М.: Эллис Лак, 1997. 736 с.
2. Ипполитов А. Аполлон и Дафна [Электронный ресурс] // Ренессанс – сайт о культуре и искусстве: [сайт]. URL: https://renesans.ru/anthology/06.shtml (дата обращения: 08.10.2023).
3. Кун Н.А. Что рассказывали греки и римляне о своих богах и героях. М.: АСТ, Малыш, Астрель, 2010. 384 с.
4. Лосев А.Ф., Тахо-Годи А.А. Боги и герои Древней Греции. М.: Слово/Slovo, 2002. 280 с.
Жестяникова И.З. Преподавание основ теории и истории искусства в изостудии // Образовательный альманах. 2023. № 11 (73). Часть 2. URL: https://f.almanah.su/2023/73-2.pdf.
Преподавание истории искусств для детей как самостоятельного предмета практикуется в основном только в художественных школах, которые позиционируются как учреждения предпрофессиональной подготовки. В учреждениях дополнительного образования – Дворцах и Домах творчества – такого практически мы не встретим.
Я расскажу, как в рамках обычных занятий в изостудии ДДЮТ «На Ленской» рассказываю об изобразительном искусстве.
Объяснения всех заданий сопровождается зрительным рядом репродукций картин художников самых разных школ и направлений. Но прежде, чем говорить о художниках и их произведениях, необходимо дать представление о видах искусства, жанрах, отличии одного от другого, выразительных средствах. Да и вообще, самый первый вопрос: зачем нужен художник? Какие бывают художники, и чем они занимаются? И вот тогда разговор перетекает в рассказ о видах изобразительного искусства. Разбираемся, чем виды изобразительного искусства отличаются друг от друга и какие из окружающих нас предметов к ним относятся. Но оговариваем, что предметом искусства является только предмет, несущий эстетическую нагрузку.
Так определяем архитектуру как проектирование (придумывание) и строительство объектов, организующих пространственную среду (здания, мосты, виадуки, набережные).
Скульптору определяем как объемное изображение. При этом оговариваем, что скульптура может быть круглой, которую можно обойти кругом, то есть рассмотреть со всех сторон, и рельефом – объемным изображением, закрепленным на плоскости.
Живописью называем художественные произведения, выполненные красками на какой-либо твердой поверхности (на стене, холсте, картоне, доске, шелке, бумаге) и основным выразительным средством которого является цвет.
Графика, как и живопись, связана с изображением на плоскости. Но в отличие от живописи у графических произведений главными художественными приемами являются штрих, линия и пятно.
А еще есть декоративно-прикладное искусство, совмещающее утилитарную, эстетическую и художественную функции. Такие произведения делаются как профессиональными художниками, так и мастерами, работающими в народных промыслах, из самых разных материалов: дерева, ткани, стекла, фарфора, металла.
Необходимо и обязательно, чтобы изучение теоретического материала завершилось контрольным вопросом.
Вопрос учащимся: перед вами зал Большой Итальянский просвет в Эрмитаже. Назовите, какие предметы относятся к архитектуре, к скульптуре, к живописи и декоративно-прикладному искусству.
Далее переходим к графике и живописи, которыми и будем заниматься. Даем определение жанра и разбираем, какие бывают жанры. На этом строится все дальнейшее обучение.
Начинаем с анималистического жанра, благо рисовать животных любят все. Выясняем, что художник-анималист должен быть одновременно и художником, и биологом, т.е. должен уметь передавать облик и пластику движения животного и знать его анатомию, повадки, среду обитания. Рассматриваем скелет, обращаем внимание на устройство ног и наличие шеи, рассматривая фотографии животных, обсуждаем размеры, пропорции и окрас животного, манеру двигаться. Переходим к работам художников, говорим о передаче художником характера животного, об эмоциональной составляющей работ – совсем не обязательно работа должна быть серьезной. В рамках этой темы мы рисуем различных животных: домашних и диких, птиц, рыб, насекомых. А если группа активная и легко воспринимает новый материал, то завершающим становится рассказ о первобытных художниках с демонстрацией изображений настенных росписей и выполнением композиции, посвященной первобытному человеку.
Сказочный жанр. В этом жанре работало не так много художников. Их картины – это иллюстрации к сказкам, былинам. Выясняем, в чем природа сказочности, почему, глядя на картину, мы сразу говорим, что изображена сказка или сказочный герой: 1) у реального предмета не реальные, не свойственные ему функции, например, летающий ковер, кит, заглатывающий корабли; 2) реальные герои помещены в нереальные обстоятельства, например, человек верхом на волке; 3) несовременные костюмы; 4) нереальные герои, например, Кощей Бессмертный, леший и т.д.; 5) возможность определить сюжет полотна, как иллюстрацию к сказке. Рассматривая картины, вспоминаем сюжеты сказок, по которым они написаны. И как задание – рисунок на тему выбранной сказки.
Пейзаж– это изображение природы. Выясняем, только ли природы? Одной ли природы? Разбираемся в видах пейзаж. Морской – марина, легко запомнить, как женское имя. Чистый – только природа, без домов и людей. Сельский – изображение деревни. Городской – города. Индустриальный – заводов, строек, железных и автомобильных дорог. Архитектурный – изображение архитектурных строений. Рассматривая картины, пробуем разобраться, почему одни картины кажутся веселыми, жизнерадостными, другие тихими и задумчивыми, третьи тревожными, четвертые печальными. Как художники этого добиваются. И заданием становиться рисунок пейзажа.
Портрет – это изображение конкретного человека и группы людей. Портрета Буратино или Мурзика быть не может. Буратино – сказочный герой, поэтому это сказочный жанр, а Мурзик – животное, то есть жанр анималистический. Говорим, что необходимое требование, предъявляемое ко всякому портрету – это индивидуальное сходство. Но это сходство не ограничивается внешними чертами человека, художник раскрывает его внутренний мир. Говорим о парадном и о камерном портретах. Как правило, парадный портрет предполагает показ человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, оплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном – чаще на нейтральном. Выделяем групповой портрет (портрет, включающей группу персонажей (не менее трех), соединенных в одной обстановке, сцене, часто связанных единым действием), парный. После того, как мы все это обсудим, пытаемся определить демонстрируемые портреты. И заданий на тему «Портрет» будет несколько.
Натюрморт – жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в единую группу. В натюрморте художник изображает предметы обихода, труда, творчества, цветы и плоды, битую дичь, выловленную рыбу. Но художники в натюрморты иногда вводили и живые объекты – это могли быть и животные, и люди. Тогда такой натюрморт становился похож на сюжетную картину.
В качестве сюжетных картин можно рассмотреть и картины бытового жанра, в которых художник рассказывает о жизни современников, например, игры во дворе, спортивные соревнования, праздники, и сказочного жанра, о котором было сказано выше, и исторического, посвященные выдающимся людям и событиям прошлого, и эпического жанра. На картинах этого жанра изображаются религиозные сюжеты, герои легенд и мифов разных народов.
В качестве примера, покажу как мы разбираем древнегреческие мифы на примере мифа «Аполлон и Дафна» с учащимися четвертого года обучения (12-15 лет). Сюжет достаточно известный: осмеял как-то Аполлон Купидона, и тот отомстил ему. Выпустил он две стрелы: одной – стрелой любви – ранил Аполлона, второй – стрелой отвращения – ранил нимфу Дафну, дочь речного бога Пенея. Дафна, спутница Артемиды, дала слово сохранить целомудрие и оставаться безбрачной. Аполлон, охваченный страстью, повсюду преследовал прекрасную нимфу. Но этим только вызывал у неё ужас. Вскричал Аполлон: «Что же ты бежишь от меня, нимфа? Не разбойник я! Не дикий пастух! Я — Аполлон, сын Зевса!» Но еще быстрее побежала Дафна. Аполлон догоняет её. Вот-вот готов схватить за руку испуганную нимфу. Дафна взмолилась к родителям изменить её облик, чтобы избежать любви Аполлона. Услышал Пеней просьбу дочери и помог ей, избавил от преследований влюбленного Аполлона. Превратил он Дафну в лавровое дерево. Ноги ее ушли в землю, складки влажной от пота одежды превратились в кору, руки вытянулись в ветви. Тщетно обнимал Аполлон прекрасный лавр, долго горевал о своей любви. И в память о прекрасной нимфе, Аполлон сделал лавр своим священным деревом и первый увенчал себя лавровым венком.
Рассказывая этот миф, в качестве иллюстраций использую живописные и скульптурные произведения – это «Аполлон и Дафна» 1744 года и «Аполлон, преследующий Дафну» 1755-1760 годов Джованни Баттиста Тьеполо, картины «Аполлон и Дафна» Антонио дель Поллайоло, Андреа Аппиани, Корнелиса де Воса и скульптуры «Аполлон и Дафна» Якоба Ауэра и Джованни Лоренцо Бернини.
В живописных произведениях мы стараемся разобрать их композиционное решение. Как художник выделяет композиционный центр картины: движением ли, светом, цветом? Обязательно ли помещать главного героя в центр полотна? Как используется цвет, и какое символическое значение он играет? Вводит ли художник дополнительных героев, и есть упоминание о них самом мифе?
Разбирая скульптурные произведения, обращаю внимание на передачу характера героев, эмоционального напряжения, движений. Сравниваем произведения с разным пластическим решением: Якоба Ауэра и Джованни Лоренцо Бернини. Изящная, даже изысканная, сделанная из слоновой кости, работа Ауэра и экспрессивная, динамичная, виртуозная мраморная скульптура Бернини. Количество фотографий, представленных в сети Интернет, позволяет «обойти» ее вокруг, рассмотреть детали, восхититься, как развиваются волосы Дафны и драпировка догоняющего ее Аполлона, как прекрасное гладкое тело обрастает шершавой корой, из ног вырастают корни, а пальцы рук превращаются в тонкие веточки лавра. Говорим о том, что при близком стилистическом решении этих скульптур эмоциональная трактовка образов оказывается различной: у Ауэра композиция внешне статичная, погоня закончилась, Аполлон догнал Дафну и уже держит ее, а руках оказывается Дафна-лавр, а Бернини изобразил самый напряженный момент – Аполлон догоняет нимфу, касается ее, в лице Дафны ужас, а кора, что заковывает ее тело, усиливает движение. Такой разбор дает возможность более эмоционально подходить к собственному рисунку.
Анализ произведений изобразительного искусства позволяет учащимся не только лучше познакомиться с творчеством художников разных школ и направлений, но и с историческими событиями, свидетелями и современниками которых они были, с литературными произведениями, которые их вдохновляли, природой, их окружавшей.
Библиографический список
1. Аполлон. Изобразительное и декоративное искусство. Архитектура / Российская Академия Художеств, Научно-исследовательский институт теории и истории изобразительных искусств; под общ. ред. А. М. Кантора. М.: Эллис Лак, 1997. 736 с.
2. Ипполитов А. Аполлон и Дафна [Электронный ресурс] // Ренессанс – сайт о культуре и искусстве: [сайт]. URL: https://renesans.ru/anthology/06.shtml (дата обращения: 08.10.2023).
3. Кун Н.А. Что рассказывали греки и римляне о своих богах и героях. М.: АСТ, Малыш, Астрель, 2010. 384 с.
4. Лосев А.Ф., Тахо-Годи А.А. Боги и герои Древней Греции. М.: Слово/Slovo, 2002. 280 с.